HISTORIA DEL ARTE COLOMBIANO

La historia del arte colombiano es muy amplia y variada en artistas, técnicas, movimientos y tendencias, evidenciando que el espíritu creador nacional se remonta desde la época precolombina, hace más de 2000 años hasta el S. XXI. Se estudiará nuestro pasado indígena, conociendo la simbología de las esculturas en piedra, la cerámica y la metalurgia. A partir del descubrimiento de América el desarrollo del arte estará atado a nuestras etapas históricas: conquista, colonia, independencia y república, y por último S. XX . El curso se plantea, sin embargo, como una aproximación general acerca de las diferentes manifestaciones artísticas a lo largo de nuestra historia, observándolo de primera mano en los numerosos museos de la ciudad de Bogotá. De modo que el estudiante saque sus propias conclusiones acerca de la importancia de conocer y apreciar ese pasado artístico, y saber cómo y porqué repercute continuamente en la construcción de la identidad nacional.

Pedro Nel Gómez (4/Julio/1899, Anorí Antioquia - 6/Junio/1984, Medellín, Colombia) Vinculado durante más de treinta y ocho años como docente de la Universidad nacional, en la sede Medellín, fundador y decano de la facultad de arquitectura, entre otros cargos importantes en donde se desempeño, sus ideas son muy claras frente al arte. Su verdugo es Jorge Zalamea, crítico de arte y su salvador es Carlos Correa, artista antioqueño, discípulo de Gómez. Los dos maestros: Gómez y Correa humillados y ofendidos por el régimen de la crítica de arte argentina Marta Traba, optan como defensa catártica lanzar sus ofensivas hacia sus colegas críticos (Entre ellos Walther Engel y Eugenio Barney Cabrera) y a los artistas que ella estaba impulsando (Obregón, Grau, Botero, Wieddeman, etc.) se sienten injustamente relegados a causa de las modas de la época, de las tendencias que no prohíjan y que se niegan a admitir (1). Desde los muros del Palacio Municipal de Medellín, empezó a cambiar nuestra concepción del arte desde lo académico, hacia un arte social y más cercano al pueblo.
Hasta la aparición de este artista, en el arte colombiano dominaba un gusto y una formación orientada puramente a lo académico. En sus obras es evidente su preocupación por el hombre como tema central de su obra, concretamente el hombre colombiano en su realidad. De formación Ingeniero en la escuela nacional de minas, y artista en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, este hombre urbanista, arquitecto, dibujante, pintor, muralista, y escultor defendía la idea del trabajo por encima de todo, para él habían muchas cosas por hacerse todavía, sobre todo en el terreno de las artes y los artistas eran quienes estaban en la obligación de “realizar la monografía de la patria”.
Creo escuela en lo social, al hacer pensar el arte de una manera social. Inicio una revolución estética en la cual se debatió sobre el arte, su función social, sus temas y hasta su utilidad, también dejo una escuela en la que se destacan entre otros artistas Débora Arango, Carlos Correa y Fernando Botero.
Pedro Nel es un artista que sufre y siente por su tiempo, datado este entre 1930 y 1940 en cuyo contexto entre otras cosas aparecieron el reformismo liberal, el sindicalismo, la industrialización, entre otros.

Pintura de Colombia

La pintura no es propiamente una de las artes más antiguas de Colombia, aunque se encuentran numerosos vestigios de pintura rupestre a lo largo y ancho del país.

El popo de tres culturas: la indígena local, la africana y el arte religioso europeo. La pintura de carácter eclesiástico fue la predominante de los siglos XVII, XVIII y comienzos del XIX.
Con la Expedición Botánica y el movimiento independentista, a comienzos del siglo XIX, la pintura colombiana comienza a separarse de la religión. Primero es la representación científica y detallada de la flora granadina; luego vendrá la descripción de los "tipos populares" y lugares, en un afán por conocer o reconocer la idiosincrasia y el paisaje nacional, que tendrá exponentes como José María Espinosa, Ramón Torres Méndez y los pintores de la Comisión Corográfica.

Artes plásticas

En la época colonial, la pintura colombiana estaba marcada por los trabajos de los tres Figueroa, auténticos pioneros de este arte: Baltasar de Figueroa, el viejo; Gaspar de Figueroa, su hijo y Baltasar de Figueroa, el joven. Gaspar fue el maestro de artistas de relevancia, entre quienes se encuentra notablemente Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos. José María Espinosa Prieto, pintor, grabador y miniaturista, también es destacado por sus retratos, paisajes y caricaturas. A Epifanio Garay también se hace gran referencia, sobre todo como retratista, a pesar de que gran parte de su obra se desarrolló en [Panamá].
Después de la independencia de España, en 1819, el arte colombiano tiene poca representatividad y todavía es muy dependiente de lo figurativo. Hay quien explica este atraso en la evolución de los estilos artísticos colombianos por medio de la propia geografía montañosa del país, que no permitía un contacto y un diálogo continuados entre las diversas tendencias creativas que ahí se desarrollaban.
En la décadas de 1920 a 1940, Marco Tobón Mejía, José Horacio Betancourt, Pedro Nel Gómez, Ignacio Gómez Jaramillo , Santiago Martínez Delgado y Alipio Jaramillo consiguen crear algún dinamismo con la elaboración de murales, influenciados, en el estilo, por el arte mexicano, aunque con características neoclásicas y del Art Nouveau. En el inicio de la década de 1940, debido a un creciente desinterés internacional por el arte colombiano, comienzan a aparecer obras que no habían sido ensayados allí, como el post-impresionismo y el estilo académico francés. El paisajista Ricardo Gómez Campuzano es un ejemplo de esto (Calle de Cartagena de Indias).

 

 

EL GRAN MUNDO DE LA SERIGRAFIA

La serigrafía es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.
El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición.

Aplicación

Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de ella, aplicándole una presión moderada con un rasero, generalmente de caucho.
La impresión se realiza a través de una tela de trama abierta, enmarcada en un marco, que se emulsiona con una materia foto sensible. Por contacto, el original se expone a la luz para endurecer las partes libres de imagen. Por el lavado con agua se diluye la parte no expuesta, dejando esas partes libres en la tela.
El soporte a imprimir se coloca debajo del marco, dentro del cual se coloca la tinta, que se extiende sobre toda la tela por medio de una regla de goma. La tinta pasa a través de la malla en la parte de la imagen y se deposita en el papel o tela.

Historia

La serigrafía es un sistema de impresión milenario. Si bien no hay datos exactos, se cree que se remonta a la antigua China, en la que según una leyenda utilizaban cabellos de mujer entrelazados a los que les pegaban papeles, formando dibujos que luego se laqueaban para que quedaran impermeables. Posteriormente se cambió el material por la seda, de ahí proviene su nombre: sericum (seda, en latín) graphe (escribir, en griego).
En la antigüedad se fabricaban unas calcomanías que se aplicaban en los artículos de uso diario, platos, vasos, etc.^{[cita requerida]} En Europa se utilizó para imprimir telas, en lo que se llamó "impresión a la lionesa", por ser el lugar en donde se aplicaba este sistema.
Las primeras serigrafías sobre papel (carteles publicitarios) aparecen en Estados Unidos sobre 1916 con una nota pendiente de concesión. La primera patente concedida es para Selectasine en 1918.
Guy Maccoy fue el primero en utilizar la técnica de la serigrafía con fines artísticos. Realizó sus dos primeras serigrafías en 1932; ambas eran alrededor de 9 x 11 pulgadas y tiró aproximadamente 40 copias de cada diseño. En 1938 tuvo su primera exposición individual, la primera de serigrafías en una galería.
Es en Estados Unidos, y con el auge de la fotografía y los productos químicos, donde toma un impulso espectacular; por ser un método muy versátil para poder imprimir en muchos materiales, hoy en día pueden distinguirse miles de artículos procesados con serigrafía.

La malla

Vale decir que una de las razones por la que la seda ha quedado prácticamente en desuso es porque por más que se estire, cuando toma la humedad ambiente, se vuelve a aflojar. Comúnmente se utilizan el poliéster, el nylon o materiales acrílicos.
El diámetro de los hilos que constituyen la gasa es uniforme, pero las gasas pueden ser de distintos grosores; para un trabajo con más detalle se prefieren gasas de un tejido más cerrado. Para uso textil, la cantidad de hilos se encuentra entre los 18 y los 90 hilos por cm lineal. Para uso con tintas al solvente (impresiones no textiles) como plásticos, madera, metales u otros materiales, las mallas (sedas) tienen que ser de trama más cerrada, entre 100 y 200 hilos por cm lineal.
El color de las gasas varía entre el blanco y el amarillo, estas últimas permiten obtener una mejor calidad en la copia del original, dado que no refractan la luz. Las sedas pueden ser monofilamento o multifilamento, las "mono" son más resistentes y mantienen el tensado en el marco, otorgándoles una muy buena estabilidad dimensional, diferenciándose de las multifilamento que son de baja calidad y poca durabilidad.

Preparación

Durante su preparación, la gasa debe ser unida en forma tensa al marco. La tensión en la gasa es muy importante para obtener buenos resultados. La tensión puede ser irregular dependiendo de la resistencia de la gasa, por ejemplo si la gasa escogida es constituida de hilos más delgados, o si la gasa se monta al marco en forma manual. La tensión sobre la superficie puede ser medida con un instrumento de medición en newton. Una variación usa cilindros de acero inoxidable, con minúsculos poros por donde pasa la tinta, la presión se ejerce con un cilindro metálico alojado en el interior del cilindro de impresión; este modo es empleado en la estampación textil y para fabricar las pistas de los circuitos impresos.
Después de un largo proceso de preparación, la seda o tela queda completamente estirada y ordenada dándole forma y regularidad.

Proceso

Como primer paso se debe obtener un soporte textil adecuado a la tarea a realizar, dependiendo de la resolución final del estampado, por ejemplo, para imprimir un cartel publicitario se debería usar muselina, con aproximadamente 20 hilos, o si se desea un dibujo minúsculo se usa seda sintética para serigrafía, debido a que ésta tiene más de 100 hilos y por tanto los orificios quedarán más pequeños.
La preparación del bastidor es muy similar a la preparación de lienzos para pintura al óleo. Se tensa la muselina o la seda serigráfica al bastidor de madera o al marco metálico, teniendo en consideración que el soporte textil debe quedar tensado hasta que no presente arrugas, pero que al momento de imprimir no se rasgue. Normalmente se sostiene con grapas al bastidor de madera templando de un punto a la vez y de manera cruzada, esto con el fin de que la tensión quede pareja en todas las esquinas.
Los fotolitos se pueden realizar en distintos materiales, hasta hace unos años se hacían con una lámina de acetato transparente la cual se pintaba con marcador o tinta china, otro método era con fotocopias en acetato transparente, actualmente se realizan mediante impresoras térmicas diseñadas exclusivamente para tal fin y que utilizan film exclusivo de alta calidad o con impresoras convencionales sobre papel bond común, de 75 gramos, al cual se pinta por el revés con aceite de almendras, esto hace que el papel se torne transparente y permita el quemado de la plancha.
Existen diversas emulsiones en el mercado, dependiendo de la tinta con la que se ha de imprimir, la más común es la emulsión fotoserigame de color azul, la cual se usa para estampar con tintas con base de agua y con base de bencina (varsol), también existe la emulsión roja para imprimir con tintas con base de PVC, ésta no es resistente a las tintas con base en agua, estas emulsiones son activadas con bicromato de amonio.
Para realizar las planchas de impresión debe hacerse en oscuridad o penumbra, o con ayuda de lámparas de seguridad.
Se le adiciona a la emulsión el bicromato de amonio en la cantidad que indique el fabricante, normalmente son unas pocas gotas, cabe recordar que estos materiales son fotosensibles, lo más recomendable es almacenarlos en un sitio oscuro o dentro de bolsas plásticas de color negro, una vez preparada la emulsión se extiende de manera pareja con una canal o una espátula sobre el bastidor con la seda tensionada y se deja secar en un sitio oscuro o con la ayuda de un secador de cabello, una vez seca, la emulsión se torna algo transparente.
Para quemar las planchas se usa una fuente de luz, normalmente una mesa de dibujo para calcar, la emulsión reacciona dependiendo de la cantidad de luz por esto es importante hacer pruebas para determinar el tiempo de exposición, habitualmente para una mesa de dibujo se expone durante no más de un minuto, también se puede usar el foco de un cuarto, para ello se debe exponer por aproximadamente 20 minutos o usar lámparas de cajón construidas para este fin, con varias lámparas fluorescentes.
Teniendo el bastidor con la emulsión seca se ubica el fotolito, también llamado arte, realizado debajo de él, el objetivo es que las partes negras del fotolito no dejen pasar la luz hacia ciertas partes de la seda emulsionada, por lo tanto, en estas partes la emulsión no se curará y podrá ser lavada posteriormente, hay que tener en cuenta que no debe de quedar espacio entre el fotolito y la plancha, para esto se usan libros o cualquier elemento que presione la seda sobre los fotolitos.
Después de la exposición de la plancha se procede a revelar, en este momento se puede salir del cuarto oscuro hacia un fregadero, suavemente se frota la seda con la mano o con un pincel, las partes que no fueron expuestas a la luz se diluirán fácilmente dejando la seda en blanco, no se debe frotar mucho porque toda la emulsión se caerá. En caso de que no se revelen las partes de la plancha es debido a que la plancha quedó sobreexpuesta, de lo contrario si toda la plancha queda en blanco es porque quedo subexpuesta y necesitaba más tiempo para reaccionar.
Después del proceso de revelado hay que dejar secar la plancha, en ocasiones quedan partes en que la emulsión se ha limpiado pero que no son parte del dibujo, para esto se puede pintar usando un pincel con la emulsión sobrante, una vez seca, la plancha podrá ser usada para imprimir.
En caso de que se requiera recuperar una plancha arruinada se puede usar lejía para diluir la emulsión así ésta ya este curada.

TECNICAS Y MATERIALES DE LA ESCULTURA

La Escultura y más aún las artes a ella subordinadas, se sirven de variados procedimientos para su ejecución. Los escultores suelen preparar su obra formando un modelo (modelando) con arcilla o yeso fino la figura que ha de servirles como tipo, este modelo equivale para ellos al boceto para el pintor o el plano para el arquitecto. Después, el artista saca puntos de su obra con auxilio de una cuadrícula haciéndola exactamente proporcional a su modelo. La materia sobre la cual trabaja el escultor suele ser barro o arcilla, piedra, madera, bronce, hierro, marfil, plata u oro.

Arcilla. Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota o cerámica si lleva esmaltes. Existen varios tipos de barro: barro rojo, barro refractario, barro blanco (gris), hoy en día existen otros colores en el barro o arcilla. Esto se debe a la impregnación de colorantes en el material. Finalmente puede obtenerse una apariencia distinta cuando se lleva al horneado. Para escolares, es uno de los mejores materiales al igual que el yeso, contrachapado, cartón y papel.

Yeso. Es un producto preparado básicamente a partir de una piedra natural denominada aljez, mediante deshidratación, al que puede añadirse en fábrica determinadas adiciones para modificar sus características de fraguado, resistencia, adherencia, retención de agua y densidad, que una vez amasado con agua, puede ser utilizado directamente.

Madera.  Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural como el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse más, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor más prolija. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior. Para la decoración de la madera  se utiliza la Policromía, utilizándose el siguiente procedimiento:

• Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
• Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado.
• Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás.

Las herramientas para trabajar la madera son especiales:

• Hacha y azuela para el desbastado.
• Gubias y formónes para la talla.
• Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
• Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.

Contrachapado. Para el trabajo de escolares, hay otros materiales derivados de la madera que presentan menos dificultades en su manipulación, y que permiten la utilización menos peligrosa de herramientas. Nos referimos al contrachapado. La presentación más común de este material es en tableros 1,22x2,44 metros, en grosores que van de los 2,5 mm., hasta los 36 mm.  Existe una gran variedad de madera contrachapada. Suelen hacerse tableros de pino y abeto para uso industrial y la construcción, asimismo podemos encontrar tableros enchapados con maderas decorativas como el roble rojo, abedul, arce, loan (caoba filipina), caobilla, entre otras maderas duras. Para el trabajo del contrachapado sin que los bordes de las planchas se desgarren, es decir para obtener un corte neto, se utilizan sierras o seguetas de dientes finos. Estas sierras de marquetería permiten el corte de ángulos o circunferencias. Cuando ya se domina este tipo de sierras y en edad superior a los 15 años, se puede combinar con la sierra de vaivén, o sierra de calar  eléctrica. Este tipo de madera permite obtener superficies lisas mediante lija e igualmente podemos pintar dicha superficie con pinturas, que preferimos que sean solubles en agua. Para el ensamblaje de los distintos elementos se realizan en el contrachapado ranuras del mismo grosor y una longitud que permita ensamblar ambas pieza. Con este tipo de ensamblaje no es necesario el uso de cola, y al mismo tiempo permite desmontarse con facilidad. Para los trabajos de círculos y semicírculos, las ranuras van dispuestas igualmente, que para los elementos rectangulares. El sistema propuesto permite realizar múltiples formas, que pueden tener movimiento o estáticas: construcciones articuladas, ruedas, molinos, batanes, etc., así como cualquier tipo de maquetas para diseño, arquitectura, instrumentos musicales, de investigación.

     

Papel y Cartón. El papel es un material de fibras aglutinadas. Normalmente elaborado con pulpa de celulosa, en la actualidad se añaden sustancias como el polipropileno o el polietileno con el fin de proporcionar características adicionales. También se denomina papel, hoja o folio a su forma más común como lámina delgada. Es otro de los materiales propio para la escultura. El mejor es el blanco, que sea bastante fuerte. Las láminas con papel metalizado en una de sus superficies, van perfectamente para el caso. Recortando tiras de papel y doblándolas en sentido longitudinal se obtienen barras de aristas en forma de L de T o de U, muy apropiadas para realizar construcciones sencillas o formas más complejas. El cartón es un material derivado del papel, más grueso y duro que este. Algunos tipos de cartón son usados en envases, cajas, etc. La misma palabra -cartón- se emplea en temas de Arte para los bocetos empleados como modelos para la confección de tapices y alfombras. Normalmente, dichos diseños se pintaban sobre papel rígido o cartón, de ahí el uso de la palabra con tal significado. Es también un material muy apropiado para confección de maquetas o desarrollar ideas. Papel maché, o también llamado papel machacado, es un buen material para la escultura de escolares. Su preparación es fácil, constituyéndose fundamentalmente en papel triturado y engrudos. Es posible además, mezclarlo con otros materiales como el yeso o la escayola (cartón piedra). Cartón pluma o placa fina de poliestireno (corcho blanco) cubierta por ambos lados de papel satinado que se usa para montajes de diseños en presentaciones. Su poco peso y rigidez relativa, ayuda a mostrar los diseños desplegados y sin arrugas. Al igual que el papel y cartón, permite realizar maquetas, diseños, proyectos tridimensionales, etc.

Piedra. Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son:

• Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en escultura monumental.
• Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
• Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos.
• Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente translúcido.
• Granito, diorita y otras piedras duras.

Hierro. El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas, mediante distintas técnicas de trabajo. Estas son:

• Repujado: consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en caliente, para darle las formas que el artista busca. Cuando se trata de chapas también se utiliza la palabra batido que remite al movimiento que se efectúa al batir, manualmente, la crema de leche
• Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el método anterior, etc.).
• Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas. Actualmente se utiliza el acero corten, para realizar esculturas que van a estar a la intemperie.

Modelado y otras técnicas.  Glosario.

El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido, sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros procedimientos de fundir y moldear exigen más o menos retoques de cincel si la obra ha de salir perfecta. Se usan además el moldeado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado.

• Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la figura que se pretende.
• Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa.
• Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con una pasta cualquiera y lograr la positiva.
• Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
• Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios par conseguir la forma que se pretende.
• Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua fuerte) sobre material duro un dibujo cualquiera.
• Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
• Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras. Son variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas, la taracea que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie de algún mueble de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana. Esta se hace aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma clase o inferior produciendo dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o pieza similar.

                  

GRABADO

El Grabado es una técnica de impresión que consiste en dibujar una imagen sobre una superficie rígida llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, obteniendo varias reproducciones de la estampa.

La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de cobre o aluminio, aunque también se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza el dibujo generalmente a base de líneas que se realizan en la superficie de la plancha con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos.

Se denomina también grabado a la inscripción de texto realizada en una plancha, piedra o metal, aunque no tenga por fin realizar copias.

Técnicas de grabado

Las técnicas relacionadas con la obtención de múltiples copias de la misma imagen suelen clasificarse según los materiales y medios empleados para la consecución de la imagen. En general, suelen dividirse en tres grandes grupos, según la forma en que el artista trabaja sobre la matriz para preparar el dibujo que se imprimirá posteriormente:

Grabados en relieve

La imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con distintas herramientas, de modo que la parte que queda en el plano superior se corresponde con el dibujo. Se entintará por tanto la forma en relieve y quedarán en blanco los huecos.

Xilografía

Es la técnica de grabado más antigua, en la que se emplea como matriz una superficie de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo. El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que conforman el tallo del árbol. En el primer caso estaremos realizando una xilografía a fibra o al hilo, y en el segundo caso una xilografía a contrafibra o a la testa. Sobre la matriz de madera se construye la imagen tallándola mediante herramientas con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco o a la ausencia de color. Suelen utilizarse cuchillos y gubias para el grabado a fibra, mientras que para el grabado a contrafibra se emplea el buril, que permite trabajar sobre superficies más duras y obtener surcos más delgados y precisos. Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con las gubias (los blancos). La imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical.

Linografía

 

Se trata de una variante moderna de la xilografía, en la que se emplea el linóleo como matriz. El procedimento para obtener la imagen es idéntico al del grabado en madera, incidiendo sobre el linóleo con gubias, de manera que las partes vaciadas quedarán en blanco y las zonas en relieve serán las que reciban la aplicación de la tinta. Al ser un material blando, el linóleo no presenta las dificultades de la veta de la madera, pero tampoco permite la finura del trazo que se puede lograr en la xilografía a contrafibra.

Grabados en hueco

La imagen se consigue arañando una matriz metálica, por medios mecánicos o químicos, de modo que las partes oscuras de la imagen correspondan a las incisiones, donde se depositará la tinta, quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas, i.e., exactamente al contrario de lo que sucede con los grabados en relieve. Los procedimientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimientos de método directo, si el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar la imagen, o de método indirecto, si la huella sobre la plancha se logra utilizando productos químicos.

 

El procedimiento que se sigue en las técnicas de grabado en hueco, es justo el contrario que en el grabado en relieve, es decir, consiste en vaciar los negros.

Una idea clara de como se debe tallar una plancha o matriz para obtener un grabado en hueco, la podemos visualizar en las siguientes imágenes:

Boceto original	Plancha grabado	Grabado

	Si observamos el boceto original y la plancha de grabado, vemos que lo que se vacía con las herramientas de grabado son los negros del boceto original o proyecto, para que lo que en el proyecto o boceto original es negro quede en negro en el grabado.
	Si comparamos el dibujo tallado en la plancha y el grabado, vemos que es el simétrico del boceto original y del grabado.
	Si analizamos el boceto original y el grabado vemos que las formas y su disposición en la composición coinciden, aunque el resultado final en el grabado aporta calidades y cualidades expresivas notables, propias de la técnicas de grabado en hueco.

Procedimientos de método directo

Al buril

Es la técnica en la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose exclusivamente con el buril, que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado una barra de acero de sección cuadrada, a la que se le ha tallado oblicuamente la punta, de modo que deja una marca en forma de "V". El buril recuerda en su forma a un arado, y el grabador lo utiliza de una manera semejante; haciendo surcos sobre la plancha, de manera que cuanto mayor es la presión que ejerce, más profunda resulta la incisión realizada, lo que provocará que se aloje en ella una mayor cantidad de tinta.

A ambos lados de los surcos se levantan limaduras metálicas, que se aplastan con rascador y bruñidor. El grabado a buril es la técnica más artística y difícil para plasmar un dibujo, enlace o letra; está relacionado con la joyería por ser una gran fuente de grabados. Se graba principalmente sobre plata y oro, por ser materiales más blandos, También se puede grabar materiales más duros incluso en el acero.

Punta seca

Esta técnica toma su nombre de la herramienta utilizada, un punzón fino y afilado que se emplea arañando una plancha de cobre con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. La punta de este instrumento puede ser de acero, diamante o rubí, tiene forma de aguja y con ella se trabaja a pulso, como si se tratase de un lápiz, siendo las líneas producidas más finas que las del buril.

Igual que con el procedimiento anterior, a ambos lados de la línea quedan limaduras o rebabas, que pueden quitarse con el rascador; sin embargo, a menudo se dejan, de modo que la impresión aparece ligeramente difuminada, dejando en las estampas un característico velo. Puesto que la rebaba acaba aplastándose con la prensa, es difícil realizar ediciones largas.

Mezzo-tinta

El nombre viene del italiano "Mezzo-tinta", y también se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o raedor) y se consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor". También se puede conseguir el negro utilizando repetidamente la técnica del aguatinta sobre la plancha hasta conseguir un tono negro profundo. Esta técnica es llamada frecuentemente "Falsa Manera Negra".

Como el resto de las técnicas pictóricas de grabado calcográfico, la manera negra fue desarrollada en el siglo XVIII y alcanzó entre los pintores ingleses una notable aceptación, sobre todo en la reproducción de retratos. Así, un número importante de retratos de Reynolds, Gainsborough o Romney fueron llevados a la estampa por medio de la manera negra.

TECNICAS DEL DIBUJO ARTISTICO

Técnicas del carboncillo

La técnica del carboncillo puede llegar a ser muy amplia y recopila gran parte del resto de las técnicas de dibujo. El carboncillo permite la realización de una extensa gama de tonos que abarcan desde los mas sutiles grises a los negros mas profundos. Proveniente de la madera carbonizado del bonetero, su polvo es muy inestable; esto representa una gran cualidad, es muy fácilmente manipulable y permite la realización de degradados tonales con un simple frotado de dedo, trapo o difumino.
El carboncillo fue el primer medio con el que el hombre comenzó a dibujar. A lo largo de la historia se ha ido adaptando a los diferentes estilos sin más proceso evolutivo que el aportado en la técnica a la hora de su uso por los diferentes artistas.
Hasta el siglo XVI no se descubrió el fijador; este sencillo avance técnico supuso que el carboncillo dejara de ser un medio dibujantico efímero, para consolidarse, a manos de maestros como Tinterito o Tiziano, como uno de los medios de dibujo más nobles.
En la actualidad el carboncillo continúa siendo el principal medio de estudio en las escuelas de Bellas Artes,
Pero, paralelamente a este medio, existen también otros sistemas de dibujo compatibles con esta técnica; entre ellos están la sanguina y los lápices de carbón.

Retrato técnica 

El retrato es a menudo uno de los principales motivos de dibujo; de hecho pocos artistas se han resistido en algún momento a realizar un retrato con tan solo un lápiz y un papel, Captar el rostro y la personalidad del retratado requiere un completo conocimiento de la técnica del dibujo y de la representación de los rasgos en proporción de unos con otros.
De todas maneras, no se puede hablar de un único sistema de trabajo a la hora de plantear retrato; existen retratos de marcado carácter académico y otros libres y espontáneos, con el denominador común de que tanto un estilo como otro se sirven del dibujo como base.
El retrato atiende a unas medidas determinadas como aproximación al encaje en el papel. Al igual que cualquier cuestión que se represente, el rostro, del mismo modo que los rasgos o la forma de la cabeza o el tronco, se puede llegar a entender como una combinación de formas geométricas, a través de las cuales se concreta una síntesis sobre el papel.
Las formas esenciales son siempre las mismas: un ovalo, un cono, un cilindro y un cubo. A partir de dichas formas, los rasgos se han de situar y concretar, dependiendo el parecido de la capacidad de observación y del oficio del artista.

 

 

 

 

Técnicas de reserva: goma liquida

La goma liquida es el mejor método para la realización de reservas sobre blanco. Esta goma se comercializa en los establecimientos de Bellas Artes, su función es básicamente la de realizar reservas en las zonas donde se aplique mediante pincel.

La aplicación de este tipo de goma es muy sencilla; tras plantear el dibujo, se pondrá goma de reserva en las zonas en las cuales no interesa que la tinta penetre; la goma se seca a los pocos minutos y la superficie del papel ya se podrá pintar tranquilamente sin peligro de que la zona reservada se manche.
Cuando ya se haya secado la aguada o la tinta, se podrá retirar la goma de reserva con ayuda de una goma de crepe o bien con los dedos, pues forma una película removible.

Aplicación del puntillismo con estilógrafo

El estilógrafo permite la realización de una trama formada por puntos regulares, sin alteraciones en su textura. Esta característica facilita la labor puntillista, que consiste en la creación de planos de grises a partir de puntear una zona con una densidad determinada.
El puntillismo se puede acercar a la realización de trabajos casi fotográficos, pues los grises que se logran a partir de la proximidad de unos puntos con otros van del blanco hasta el negro más denso.
Por lo general, este tipo de dibujo requiere un planteamiento a lápiz, de entrada muy precisa, sombras y valoración incluidas; se empieza por puntear las zonas más oscuras, bajando la densidad del punteado a medida que la sombra decrece.

Negativado con color

El dibujo en negativa do tiene una extensa línea de posibilidades plásticas, pudiéndose barajar tanto el dibujo en negativo como en positivo, previniendo la forma del mismo entre dos masas de color.
La idea del negativado en color da pie a un entendimiento del dibujo entrelazado con planteamientos pictóricos, pero, desde luego, no se puede entender como pintura, ya que este tipo de trabajo siempre reduce el cromatismo a cuestiones graficas de colores planos. La realización de este proceso, a pesar de ser similar al del negativa do monocromo, conlleva una serie de factores a tener en cuenta.

La cera, al no ser transparente o blanca, no queda incorporada al fondo del papel sino que pasa a jugar un papel de plano opaco, muy a tener en cuenta en el planteamiento del dibujo.

 

 

 

 

 

TECNICAS DE PINTURAS ARTISTICAS.

El arte de la pintura al pastel pertenece a las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

    Acuarela y témperas

Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores.

 ACUARELAS ...TEMPERAS 

 

Gouache

El gouache (aguada, aunque el galicismo gouache puede derivar del italianismo guazzo), es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, pues se puede pintar con gouache y aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente se utiliza para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.
Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce el efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.
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Aerografía

Una aerografía es una técnica de aplicación por aspersión o difuminación aérea de pintura sobre una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray en la confección de los grafiti, pero en este caso, utiliza una herramienta denominada aerógrafo para su aplicación.
La aerografía es una técnica artística que requiere de un cierto grado de entrenamiento, para ello se utiliza una fuente de aíre a presión positiva, mangueras neumáticas, compresor, proporcionando aire por Efecto Venturi sobre un aerógrafo que mezcla aire y pigmento prediluido en un solvente que lo proyecta en forma atomizada.
Debido a que es difícil realizar la técnica, que depende del artista y de la calidad de los equipos para lograrlo, la realización de la misma requiere una cierta preparación de los profesionales o estudiantes de arte. Los resultados son muy superiores a la aplicación con pincel o brocha y tienden a compensar la dificultad inicial.
La aerografía se usa para artes plásticas en superficies regulares y en especial irregulares, pintado de objetos de geometría variada, en especial el maquetismo, tatuajes sobre piel conocido como body paint , aplicaciones automotrices, enchulados, o graffitis. Incluso también hay un tipo de pintura comestible y se utiliza para decorar tartas principalmente.
La aplicación a escala industrial de la aerografía se realiza en fábricas automotríces, talleres de restauración, lacados artesanales, tratamientos de superficies, etc.

Pintura acrílica

La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

La pintura acrílica es una pintura de secado rápido formada por pigmentos suspendidos en una emulsión de polímero. Las pinturas acrílicas pueden ser diluidas con agua, pero son resistentes a la misma una vez secas. Dependiendo de que tanto se diluya esta pintura (con agua) o sea modificada con medios o pastas acrílicas, el acabado puede asemejar pinturas de acuarela u oleos, o tener sus propias características únicas, no obtenibles con otros medios. 

 

Pintura al óleo

El óleo es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre una tela.
El uso del óleo se conoce desde la Antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media, aunque de modo minoritario ya que en esa época predominaba la pintura al temple o al fresco. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la misma y una excelente estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye, erróneamente, su invención al pintor Jan van Eyck.¹
El aceite que más se empleaba era el de linaza, pero no era el único y cada artista tenía su propia fórmula que se solía guardar en secreto. Normalmente se emplea la esencia de trementina como disolvente, para conseguir una pincelada más fluida o más empastada, según el caso. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100. Cennino Cennini, en su Libro del arte, también menciona y describe la técnica.

 

Pintura al pastel

Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas.
Esta técnica se inventó, probablemente, en Francia e Italia a finales del siglo XVI, aunque fue utilizada ya por Leonardo da Vinci gracias al impulso de Jean Perréal.
El pastel conoció su edad de oro en el siglo XVII, donde sus colores francos y su capacidad para reproducir fielmente los tejidos, las texturas y las luces lo hicieron inseparable del medio del arte del retrato. Fue utilizado por numerosos pintores como Charles Le Brun, Robert Nanteuil o Joseph Vivien.La pintura al pastel se hizo popular en el arte moderno debido a la amplia gama de colores brillantes aportadas.

 

Temple de huevo

La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. La clara y la membrana de la yema se descartan (la membrana de la yema se coloca en un recipiente y se perfora para drenar el líquido del interior). La mezcla de la pintura tiene que ser constantemente ajustada para mantener un balance entre grasa y agua, ajustando la consistencia con agua y yema. Cuando la pintura se seca, el artista añade más agua para preservar la consistencia y equilibrar el espesamiento de la yema en contacto con el aire.

 

Fresco

Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de Mortero de cal, la primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda (intonaco) más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas (giornatas), de ahí su nombre.
El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.

Tinta

Tres tinteros y una pluma.

La tinta es un líquido que contiene varios pigmentos o colorantes utilizados para colorear una superficie con el fin de crear imágenes o textos. Comúnmente se considera que la tinta es utilizada en bolígrafos o pinceles; sin embargo, es utilizada extensivamente en toda clase de impresiones.
Las variedades más antiguas de tinta que se conocen incluyen a la tinta china, varios colorantes hechos a partir de metales, la cáscara o cobertura de diferentes semillas y animales marinos como el calamar o el pulpo. La tinta china es negra y originaria de Asia. La tinta de nuez fue utilizada por muchos artistas antiguos para obtener coloración marrón-dorado utilizada en sus dibujos.
Las tintas pigmentadas contienen otros componentes como los barnices para asegurar la adhesión del pigmento a la superficie y prevenir que sea removida por efecto de abrasión mecánica. Estos materiales son generalmente resinas (en tintas solventes) o aglutinantes (en tintas al agua).
Las tintas pigmentadas tienen la ventaja que cuando son empleadas sobre papel, éstas permanecen sobre la superficie aplicada. Esto es una característica deseable, porque cuanta más cantidad de tinta queda sobre el papel, se necesita menos cantidad de tinta para obtener la misma intensidad de color.

 

La Flammagrafía

La flammagrafía es una nueva técnica de pintura inventada por el artista vallisoletano Vicente Fernández Martínez, el cual "pinta" sus cuadros através de la llama del fuego.

Esta técnica fue descubierta por el artísticamente llamado Vicen,  hace 37 años. Fue el crítico de arte de la cornisa Cantábica, D. Vicente Cobreros Uranga, quien desde la sala de exposiciones del Ministerio de Información y Turismo de San Sebastián, en su crítica, detectó el descubrimiento de una nueva técnica. Seis meses después, él mismo haciendo uso de la etimología, la bautizó con el nombre de FLAMMAGRAFÍA (del latín FLAMMA: LLAMA y del griego GRAPHOS: GRABADO), grabado con llama.

Expuesta por primera vez en esta ciudad, en su primer año de vida, en la sala de exposiciones de la antigua Caja de Ahorros Provincial (Plaza Madrid, Valladolid), a la que sucedieron otras acreditadas salas, en el transcurso de estas casi cuatro décadas.

Tras haber recorrido la casi totalidad de la geografía española, llegó a París.

El PALACIO REAL (Madrid) cuenta con el retrato de su alteza el PRINCIPE DE ASTURIAS, en su niñez.

Años más tarde, coincidiendo con una exposición en el Torreón de Lozoya, en Segovia, el Marqués de Lozoya presidió la inaguración de dicha exposición, eminente personaje como historiador y como Director de Bellas Artes de Madrid y Director General del Patrimonio Artístico Nacional, durante muchos años.

Él mismo consideró a esta técnica como la evolución del pirograbado, y calificó a su fruto como algo "inverosímil". Así mismo se ofreció a "prologar" el libro que sobre la misma, queria que escribiera (su sentida pérdida lo impidió).

Los medios informáticos se hicieron eco de ello. LA PRENSA, lanza titulares como: "REVOLUCIÓN ARÍSTICA DE LA FLAMMAGRAFÍA".