Muchos piensan en el diseño como algún tipo de esfuerzo dedicado a embellecer la apariencia exterior de las cosas.
Ciertamente, el solo embellecimiento es una parte del diseño, pero el
diseño es mucho más que eso. Miremos s nuestro alrededor. El diseño no
es solo adorno. La silla bien diseñada no solo posee una apariencia
exterior agradable, sino que se mantiene firme sobre el piso y da un
confort adecuado a quien se siente en ella. Además, debe ser segura y
bastante duradera, puede ser producida a un coste comparativamente
económico, puede ser embalada y despachada en forma adecuada y, desde
luego, debe cumplir una función especifica, sea para trabajar, para
descansar, para comer o para otras actividades humanas.
El diseño es un proceso de creación visual con un propósito. A
diferencia de la pintura y de la escultura, que son la realización de
las visiones personales y los sueños de un artista, el diseño cubre
exigencias prácticas. Una unidad de diseño gráfico debe ser colocada
frente a los ojos del público y transportar un mensaje prefijado. Un
producto industrial debe cubrir las necesidades de un consumidor.
En pocas palabras, un buen diseño es la mejor expresión visual de la
esencia de "algo" ya sea esto un mensaje o un producto. Para hacerlo
fiel y eficazmente, el diseñador debe buscar la mejor forma posible para
que ese “algo” sea conformado, fabricado, distribuido, usado y
relacionado con su ambiente. Su creación no debe ser sólo estética sino
también funcional, mientras refleja o guía el gusto de su época.
Roma preservó este estilo, introduciendo un mayor realismo en los
retratos, sobre todo en los de los emperadores, y en los relieves
históricos.
Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes
en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando
espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel,
junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso
de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo
repertorio artístico, que comprende procesos como el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.
Giorgio Vasari (1511-1573), empieza Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori
con un prólogo técnico que habla de arquitectura, escultura y pintura,
unas disciplinas agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño».
La obra es un tratado informativo y valioso sobre las técnicas
artísticas empleadas en la época. En referencia a la escultura comienza
así:
... el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a la forma que existe dentro de la mente del artista.
Técnicamente, la escultura es la rama de las artes plásticas que se
ocupa de la creación de formas artísticas en tres dimensiones, con muy
diversos materiales y formas.
Como la escultura es casi tan antigua como el hombre, en este Icarito
solo se abarcará su desarrollo hasta el estilo denominado Rococó.
Desde el comienzo de este arte en tiempos prehistóricos, la principal inspiración de los escultores ha sido la figura humana, aunque con distintas motivaciones o connotaciones.
Las representaciones del hombre primitivo estaban relacionadas con la
magia, la religión y también con la utilidad (tallado de herramientas y
utensilios). Sin embargo, con el paso del tiempo, estas figuras
perdieron su simbolismo y funcionalidad, surgiendo la preocupación por
reproducir la belleza. Esta finalidad determinó el nacimiento del “arte
de la escultura”.
A medida que se fue desarrollando la civilización, se acentuó la
utilización de las figuras humanas tanto femeninas como masculinas, en
algunos casos mezclándolas con rasgos animales para representar a los
dioses (pueblos mesopotámicos). También es importante la exaltación de
los soberanos (egipcios).
Con los griegos se humanizan tanto las esculturas, que dada su
perfección parece como si se tratara de personas congeladas cubiertas de
mármol -tipo de piedra, principal material utilizado en esa época-.
Grecia marcó un hito en las artes. La perfección y la belleza no solo
están presentes en la escultura, sino también en la arquitectura. Su
estilo para crear ha sido denominado clásico, y sus formas y detalles aún son estudiados.
Durante la Edad Media, las esculturas pasaron a segundo plano
respecto a la arquitectura. Casi fueron exclusivamente un complemento de
esta, al estar destinadas a la ornamentación de grandes construcciones,
como, por ejemplo, castillos, palacios e iglesias. Las figuras estaban
relacionadas con los textos bíblicos, ya que en ese tiempo primaba el teocentrismo; es decir, todos los aspectos de la vida giraban en torno a la creencia en Dios.
El Renacimiento marcó el retorno al estilo clásico. Un claro ejemplo
del brusco quiebre respecto al período anterior es la reaparición de las
representaciones del cuerpo humano desnudo.
El barroco surgió en Italia a principios del siglo XVII y se
caracterizó por su exuberancia, la bella expresión de emociones, y, en
algunos casos, también por su dramatismo.
Como ya lo señalábamos, terminamos con el Rococó, estilo ornamental
principalmente de interiores, surgido en Francia y que se difundió por
Europa durante el siglo XVIII.
El término se aplica de una forma tan amplia que ha perdido buena
parte de su significado. No sólo se aplica a las industrias de silicatos
(grupo de minerales de mayor abundancia, pues constituyen más del 95%
de la corteza terrestre), sino también a artículos y recubrimientos
aglutinados por medio del calor, con suficiente temperatura como para
dar lugar al sinterizado. Este campo se está ampliando nuevamente
incluyendo en él a cementos y esmaltes sobre metal.
En la fabricación de objetos cerámicos se emplean diversas técnicas
de entre ellas, vamos a destacar las siguientes:
1. Técnica de la pella
o bola. Con toda seguridad es la técnica más antigua, la
que primero
usó el hombre para hacer sus útiles. Se parte de una pella de
barro, dándole la forma de bola (1.1) e introduciendo el dedo pulgar en
el centro de la misma (1.2),
se va presionando con los dedos, moldeando el contorno
deseado, formando
unas paredes más o menos gruesas (1.3). A veces, por la
evaporación
y la absorción del agua por el calor de las manos, surgen una
serie
de grietas en la pieza que se solucionan humedeciendo la pasta
con la
mano, con un trapo o con una esponja, alisando, al mismo
tiempo, la
estructura.
2. Técnica de los rollos,
macarrones o churros.
A esta técnica también se le conoce con el nombre del "colombín".
Junto con la anterior, es una técnica muy antigua. La cerámica
prehistórica, descubierta en muchos lugares, fue elaborada de esta
manera. Se utilizan unos rollos o churros de arcilla, de un grosor
variable, según el tipo y volumen de la pieza. Estos cilindros se hacen
presionando una porción de pasta contra la mesa usando los dedos
extendidos y la palma de la mano, hasta lograr estirar la pella con la
longitud y el grosor deseados (2.1).
Partiendo de una base, que puede ser de cualquier forma,
fabricada a partir de una plancha o mediante la unión de churros o
macarrones (2-2), se van añadiendo rollos superponiéndolos a la base
(2.3). Entre los churros o rollos que vayamos añadiendo debemos de
poner
barbotina
para que actúe como elemento de unión.
Para curvar una pieza hacia afuera, se va dando más amplitud al
rollo de barro de la parte superior y, al revés (2.4), cuando queremos
curvarla hacia adentro, estrechar su forma, debemos de deslizar, en esa
dirección el macarrón sobre el que hayamos colocado con anterioridad,
hasta conseguir la forma diseñada. A medida que vayamos avanzando en
la obra, con el dedo o cualquier palillo de modelar (estique),
se hace descender pasta del rollo superior hasta el inmediatamente
inferior, tratando de hacerlo de forma alternativa de manera que no
coincidan las incisiones o bajadas de pasta
(Cosido). Este proceso hay que realizarlo tanto por el interior de la obra como por fuera de la misma. (2-5 y 2-6).
Con esta técnica se pueden realizar cualquier tipo forma y
tamaño. Se recomienda que, si el tamaño de la pieza fuese muy grande,
se haga por partes, uniéndolas cuando la pasta adquiera cierta
consistencia, pero evitando que se seque demasiado. De esta forma
evitaremos que la obra se derrumbe por el peso. Con esta técnica se
obtienen muy buenos resultados para los no iniciados.
3. Técnica de planchas,
placas o tortas.
Las planchas o placas de arcilla se obtienen partiendo de una
porción de pasta a la que se le aplica una presión mediante un rodillo
o bien, usando dos reglas de igual grosor (3-1), poner pasta entre
ellas y pasar una tercera por encima de tal forma que allane e iguale
toda la masa. Si se necesitan varias planchas, deben hacerse todas
seguidas, dejándolas reposar durante un tiempo para que pierdan parte
de su humedad y cojan cierta consistencia a fin de poder manipularlas.
Después se cortan las distintas piezas (3-2), utilizando un
estique que tenga un borde afilado. También se pueden utilizar
estiques hechos de caña de bambú, son fáciles de hacer y dan excelentes
resultados. Hay que vigilar que la humedad perdida no sea excesiva,
pues la unión entre las distintas planchas sería defectuosa y se
rompería en el proceso de secado o de cocción. Todas las juntas se
deben
coser
minuciosamente y reforzarse con un cordón de arcilla que se soldará
con barbotina (3-3). Esta técnica da muy buenos resultados, pero resulta
difícil para los no iniciados con cierta experiencia.
4. El torno.
Aunque no es imprescindible para ser ceramista, si lo es para el
alfarero y es el reto más difícil al que debe de enfrentarse, ya que,
para dominar esta herramienta, se necesita considerables dosis de
paciencia, una cierta habilidad y mucha, muchísima práctica.
5. Moldes de escayola o yeso de París.
Los moldes de escayola se emplean cuando queremos producir
piezas exactas o cuando la producción tiene que ser alta, por lo que,
aunque no se descarta el empleo en un taller de ceramista, la
utilización de los moldes está casi reservado a la industria. En la
actualidad, muchas industrias cerámicas emplean moldes automáticos a
presión.
Todos
los conocimientos teóricos y prácticos necesarios para aprender a
dibujar y a pintar en un solo volumen, Partiendo de las bases del
dibujo, presenta de forma clara y progresiva ejmeplos del empleo de
todas las técnicas, así como numerosos ejercicios prácticos realizados
por prestigiosos artistas para guiar el aprendizaje y facilitar la
asimilación de los conceptos.
Inicio una revolución estética en la cual se debatió
sobre el arte, su función social, sus temas y hasta su utilidad, también
dejo una escuela en la que se destacan entre otros artistas Débora
Arango, Carlos Correa y Fernando Botero. Pedro Nel es un artista que
sufre y siente por su tiempo, datado este entre 1930 y 1940 en cuyo
contexto entre otras cosas aparecieron el reformismo liberal, el
sindicalismo, la industrialización, entre otros. Se viven procesos en
los que los pueblos se convierten en ciudades y el arte se vuelve
universal creando discursos desde lo local. Pedro Nel Bachué En
1930 el periódico El Tiempo habla del manifiesto Bachué: un grupo
juvenil que exalta, la diosa fecunda de los indígenas, Bachué nombre que
provino de una escultura de Rómulo Rozo de 1926. La idea de los
bachues era “colombianizar” el país. La matanza de las bananeras del 8
de diciembre de 1928 radicalizo más la positiva del grupo. A este se
sumaron otros grupos que actuaban en las universidades públicas: Boinas
vascas, albatros. Desde el punto de vista de lo artístico Rómulo Rozo y
Luis Alberto Acuña iniciaron la propuesta Bachué. Cita Carolina Ponce
de León en su libro El efecto mariposa (2) entre los artistas Bachués a
Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Carlos Correa entre otros.
Cita además que existió “Una confrontación irreconciliable entre el arte
local y el universal que propagaron los Bachués” que a mediados de los
años treinta se moderó. Cita además: “Como un mecanismo propio del
modernismo, la fuerza de la oposición, tanto en la política como en el
arte, tendría a recurrir a la metodología que consiste en negar la
validez de lo existente e imponer una renovación radical. Marta Traba
asumió, así la defensa del arte moderno atacando implacablemente el
espíritu nacionalista y localista de la generación precedente de los
Bachué para ampliar el horizonte hacia lo que ella llamo la resistencia,
es decir, una autonomía artística con los alcances plásticos de
cualquier metrópolis. El arte por lo social
El arte colombiano dominaba un gusto y una formación orientada puramente
a lo académico. En sus obras es evidente su preocupación por el hombre
como tema central de su obra, concretamente el hombre colombiano en su
realidad. De formación Ingeniero en la escuela nacional de minas, y
artista en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, este hombre
urbanista, arquitecto, dibujante, pintor, muralista, y escultor defendía
la idea del trabajo por encima de todo, para él habían muchas cosas por
hacerse todavía, sobre todo en el terreno de las artes y los artistas
eran quienes estaban en la obligación de “realizar la monografía de la
patria”. Creo escuela en lo social, al hacer pensar el arte de una
manera social.
HISTORIA.. La historia del arte colombiano es muy amplia y variada en
artistas, técnicas, movimientos y tendencias, evidenciando que el
espíritu creador nacional se remonta desde la época
precolombina, hace más de 2000 años hasta el S. XXI. Se estudiará
nuestro pasado indígena, conociendo la simbología de las esculturas en
piedra, la cerámica y la metalurgia. A partir del
descubrimiento de América el desarrollo del arte estará atado a
nuestras etapas históricas: conquista, colonia, independencia y
república, y por último S. XX . El curso se plantea, sin embargo,
como una aproximación general acerca de las diferentes
manifestaciones artísticas a lo largo de nuestra historia, observándolo
de primera mano en los numerosos museos de la ciudad de Bogotá. De
modo que el estudiante saque sus propias conclusiones acerca de la
importancia de conocer y apreciar ese pasado artístico, y saber cómo y
porqué repercute continuamente en la construcción de la
identidad nacional.
Historia del arte
La historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del arte a través del tiempo.
Bellas Artes describe una forma de arte desarrollada principalmente por la estética y por su utilidad práctica. Históricamente las principales Artes son: la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música. A estas seis se añadió, durante el siglo XX, el cine —llamado, por tanto, séptimo arte—. Sin embargo, en algunas instituciones educativas y en museos de bellas artes se le asocia exclusivamente a las artes visuales. En este sentido, la palabra arte también es muchas veces sinónimo de bellas artes, al ser empleado en términos como "galería de arte".
Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una
necesidad del ser humano de expresarse y comunicarse mediante formas,
colores, sonidos y movimientos, el arte es un producto o acto creativo.
Los griegos antiguos dividían las artes en superiores y menores, siendo
las artes superiores aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores,(vista y oído), con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluye la poesía, y con la música se incluye el teatro. Esa es la razón por la que el cine es llamado a menudo hoy, el séptimo Arte.
Las artes menores, según ello, serían las que impresionan a los sentidos menores, (gusto, olfato y tacto), con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y algo que podríamos llamar cariciería,
nombre que si bien suena un poco raro, se manifestaría en la sensación
experimentada por toda persona en el momento de tocar un objeto con una
superficie especialmente agradable.
A pesar de que la palabra arte se haya cuestionado debido a los planteamientos de artistas vanguardistas, hoy en día "Bellas Artes" sigue siendo una expresión asociada a la belleza. Es el nombre que se le suele dar en muchos países a los estudios superiores en artes plásticas. En España, esta licenciatura comprende disciplinas como la conservación y restauración de obras de arte, diseño, fotografía, y pintura, dibujo o grabado y juegos.
Muchos piensan en el diseño como algún tipo de esfuerzo dedicado a embellecer la apariencia exterior de las cosas. 
